Steve Forbert - Here's Your Pizza

Samuel Stephen Forbert es algo más que el compositor de la archifamosa «Romeo's Tune» dedicada a la memoria de Florence Ballard, desparecida componente de las Supremes. Steve Forbert es uno de esos grandes desconocidos que tanto nos gustan por aquí y por eso hoy le dedico este Discos Para No Deprimirse.

Forbert es otro de esos "Nuevos Dylans" que se tomaron la etiqueta con humor: "no hay que prestarle atención a eso. Es sólo un cliché. Además yo no tengo que ser más inteligente que los demás y saber todas las respuestas como Dylan". En 1997 Forbert publica su tercer disco en directo, Here's Your Pizza, un auténtico trallazo de rock americano en la onda Mellencamp, Petty o sí, Dylan. Y lo hace con un par de cojones. No tira de sus clásicos sino que se saca de la manga un repertorio más oscuro. Todo recorrido con cierto sabor fifties. Quizá por la versión del «Rockin Robin» de Bobby Day , el nada escondido tributo a Ritchie Valens con fragmento de «La Bamba» incluido o el «One After 909» de los Beatles ¿Y qué decir de la cover del «Polk Salad Annie» del maestro Tony Joe White? Todo ejecutado con maestría y buen hacer. Como suele ser habitual en este hombre. Por cierto. Para quien no se haya dado cuenta y sea de esos que paran el reproductor en cuanto acaba un disco, aquí hay un par de temas ocultos, que lo sepan.

Sonando: Sweet Pea de Steve Forbert

R.E.M. - Walk It Back

Soberana canción este «Walk It Back» que encontramos en el Collapse Into Now de R.E.M. (por cierto ya compré el vinilo y para callarme la bocota, vienen las letras). Primero hablaré de Mike Mills. Esos coros ¿Alguien me puede decir una segunda voz mejor que la de Mills? Es enorme. Siempre a la sombra de la principal pero increíblemente efectivo. Extremo sólo cuando la canción lo requiere. Justo. Y luego está Stipe. Un cantante de esos que sólo aprecias cuando intentas cantar una de sus canciones ¿Cómo se puede cantar tan bajo y afinado? Michael Stipe tiene para mí los mejores graves del mundo del rock. Primero por afinación y luego por belleza. No hablaré de sus agudos para no abusar y de magnetismo también hablaremos otro día. Aunque hay quien dice que lo suyo no es rock. Collapse Into Now es la respuesta, y canciones como «Walk It Back» son de esas inolvidables.

Sonando: Walk It Back de R.E.M.

El hospital

Jodido. No se me ocurre mejor expresión para definir el inicio del fin de semana. Marcado por mi visita al hospital y por la gravedad de un asunto que, por suerte, ha acabado quedando convertido en mera anécdota. Algunos me reclamaban donde estaba mi post del viernes acostumbrados a mi presencia diaria. Yo me revolvía en el hospital con la mandíbula desencajada y una frase dándome vueltas por la cabeza, la que me dijo el médico la vez anterior que tuve un choque alérgico: “si te da otra vez no lo cuentas”. Y me dio. Lo bueno es que lo cuento. El puto Torecán de las narices que debía solucionarme unas simples náuseas me la jugó gorda. Daba igual que me perdiera el concierto de Jim Lauderdale y que me tirara siete horas ingresado en el hospital, con pinchazos en la arteria y una vía inyectándome Urbasón y Valium en vena junto con suero fisiológico que me ayudara a limpiar el maldito fármaco. El Valium, por cierto, de regalo. Por el empecinamiento que tienen hoy en día en decir que todo es ansiedad. Su puta madre. Pues esta vez no lo era y por no escucharme pasé algunos de los peores momentos de mi vida. Yo sabía lo que era, ya me había pasado pero ¿por qué los médicos no escuchan más a sus pacientes joder? Hasta que no lo hicieron no dieron con la solución y a mí esas siete horas se me hicieron eternas. Mi mandíbula respondía menos que si me hubiera metido setenta rayas, y además presionaba a mis oídos de forma inhumana creándome un dolor de cabeza literalmente insoportable. “Es que a veces dice que le duele la cabeza, otras el oído, otras la mandíbula…”. Ese era el argumento del señor doctor ante Raquel para justificar que era ansiedad. No te jode, es que me dolía todo pero no lo podía decir todo a la vez ¡coño! Por desgracia sé reconocer un ataque de ansiedad aunque por suerte se me está olvidando. Pero ya ha pasado. Ahora sólo me queda la flojera por el momento y el miedo a que vuelva a pasar por un repunte que tuve estando en el mismo hospital. Aunque mi razón me diga que eso, por suerte, es imposible….

Encerrado en este hospital tomando pentotal y sin poder hablar,
entre tubos de goteo estoy viendo televisor, ya viene sor Ivonne.
Dicen que tendré que resistir pero yo quiero salir de aquí
dicen que quizás me salvaré me curaré por fin.

Sonando: El Hospital de Enrique Urquijo

Jim Lauderdale, el hombre llega mañana a Badalona

Este es un fragmento de la entrevista que le hice para el pasado número del Ruta:

"El mundo de la música debería dividirse en dos grandes grupos. Por un lado estarían los seguidores de Jim Lauderdale, y por el otro el resto. Los primeros viven felices sabiendo que cada nueva entrega de este músico, incomprensiblemente desconocido para muchos, es siempre una apuesta segura llena de calidad, grandes canciones y buen hacer. Los segundos no tienen porqué ser menos felices. La inopia, en ocasiones, puede ser un lugar confortable para la mente. Aunque a nosotros, la vida se nos antoja mejor con los discos de Lauderdale dentro. Para el que escribe, uno de los grandes. A pesar de que a él le cueste admitirlo. “No estoy seguro de que se me pueda considerar uno de los grandes. Se agradece el cumplido y, sin duda, es algo que te llena de fuerzas para seguir trabajando”, responde desde EE.UU".

El resto en la web rutera (http://www.ruta66.es/ )

Sonando: The King Of Broken Hearts de Jim Lauderdale

DPND: Joe Ely – Letter To Laredo

De acuerdo que lo de Joe Ely no es estrictamente Americana pero ya avisé que por esta sección aparecerían también discos de rock americano, simplemente y Letter To Laredo (1995) lo es. Mejor dicho, no es un disco, es un discazo.

Ely llevaba un montón de años haciendo discos. Concretamente desde 1977. Pero parecía que todavía estaba por llegar su cumbre creativa cuando en 1995 aparece este álbum con nombre de misiva fronteriza con el que, sin duda, lo consigue. Ely realiza su obra magna con Letter to Laredo. Una álbum de esos inacabables, al que siempre le encuentras algo más con cada escucha. Un disco de rock americano, tejano y fronterizo. Dominado por ¡ojo! una guitarra española con aires flamencos tocada majestuosamente. « All Just to Get to You» o « I'm a Thousand Miles from Home» son canciones, simplemente, insuperables. Un disco poderoso tocado desde la sutileza. Suena increíble. De hecho casi se nos olvida que contiene colaboraciones tan importantes como las de Bruce Springsteen o Raoul Malo. Da igual. Porque la personalidad de Joe Ely lo domina todo. Se nota como se dejó llevar en la grabación. Como si se tomara el disco como una última oportunidad de reivindicarse pero, al mismo tiempo, con la tranquilidad del músico vivido, rodado. Así lo consiguió. Un trabajo que, en mi opinión, nunca ha superado. Ni falta que hacía. Hay tanto ahí dentro…

Sonando: Run Preciosa de Joe Ely

Lo que se nos viene encima

Desde que nació June he limitado los conciertos a los que asisto, pero no voy a decir que es por culpa suya. No es así. Simplemente es un tema de fases vitales. Y lo que me apetece en estos momentos es pasar muchos ratos con ella. A pesar de eso no me puedo quejar. Probablemente asisto a más conciertos en un mes que muchos mortales en toda su vida. Además hay otro elemento. A mí me gusta ir a los bolos con Rakel. Ver como ella disfruta de la música, de ese disco que no conocía, de ese músico que no le sonaba de nada. Ver como se convierte en fan. Evidentemente cuidar a nuestra bebé (dentro de dos meses oficialmente deja de ser bebé y pasa a ser niña) lo dificulta. A pesar de eso, es época de bolos y hay unos cuantos marcados en el calendario. Sí o sí. A algunos me tocará ir solo. Bueno sin Rakel porque luego me encontraré con “los de siempre”. Ahí van mis muescas en el calendario: 30/03: Mario Cobo. En el metro. A poco que pueda allí me planto aunque sea en Badalona. 01/04: Jim Lauderdale. Me da rabia que coincide con el bueno de Fabián pero a él tendré la oportunidad de verlo más veces y a Lauderdale quién sabe. Única actuación en España. 15/04: Kim Lenz en Badalona o MEL en Les Corts. Seguramente la cercanía me hará inclinarme por lo sgeundo. Llamadme perezoso. 22/04: Jaime Anglada en la ZAC. 23/04: Stacie Collins en el Rocksound. Nis e les ocurra perdérsela. 13/05: North Mississippi Allstars & Lions In The Street: ¡Cartelón! 23/05: Peter Case en el Heliogábal ¡imprescindible! 03/06: Quique González, gira Desbandados 20/06: Ron Sexsmith en la Sala Bikini 24/06: Azkena Rock Festival. Esto y lo que surja no está mal ¿no? Sonando: Patchwork River de Jim Lauderdale

Jackson Taylor y los pecadores

La primera vez que oí el nuevo disco de Jackson Taylor y sus Sinners pensé “este es de los que le gustan a Jaime”, recordando a mi buen amigo Jaime Anglada. Porque en este disco hay muy buen rock and roll de corte añejo, cincelado a base de buenas dosis de country y ese sentimiento outlaw que tanto nos hace disfrutar a muchos. Jackson Taylor suena a un Waylon Jennings actualizado y en eso tiene mucho que ver, también, que al escoger un par de covers para hacer en el disco se incline por el «Ain’t No God In Mexico» de Billy Jose Shaver y el «I Ain’t Living Long Like This» de Rodney Crowell, dos temas que también versionó el patriarca Jennings. Pero no sólo de Waylon vive el hombre. En «No Show» hay mucho de George Jones y del country más tradicional, por ejemplo. Quizá, el único problema que tiene el hombre es que es más de derechas que una convención de falangistas pensando en apuntarse a la legión. Su cercanía al Tea Party es evidente y determinadas frases le delatan. Pero ¿qué más da? Al fin y al cabo es sólo rock and roll, y me gusta….

Sonando: Ain’t no Good In Mexico de Jackson Taylor & The Sinners

Pistola y cuchillo

Primero fue Quique González el que me habló de él. De hecho pude ver como "lo perseguía" en una librería del Raval hasta dar con él. Que el maestro Ranedo hablara de él (como lo hizo) en el Ruta me acabó de convencer. Dos personalidades tan distintas pero que saben de lo que hablan cuando de leer se trata no podían estar equivocadas. Ahora ya hace unos días que acabé con él, con sus escasas cien páginas que se leen a la velocidad del rayo. Y sí. Pistola y Cuchillo de Montero Glez es una puñetera obra maestra. Uno de esos libros inmortales que es capaz de conseguir que el tocayo Ranedo acabe pinchando a Camarón. Háganse un favor, lean cosas como esta:

"Pillaba el alfabeto de los gestos y lo convertía en caligrafía. Era la mímica del que sabe que el silencio es la nota más larga y que sólo ha de acortarse cuando suena algo importante".

Sonando: Paper Airplane de Alison Krauss & Union State

Gotas de miel californianas

Loquito me tiene los amigos de The California Honeydrops con su nuevo disco. Además los del Bay Arena de San Francisco han estado esta semana de gira por España pero no han pasado por Barcelona, que yo sepa. A pesar de eso, “el consuelo” que supone oír su último disco, Spreadin Honey es simplemente maravilloso. Para mí superior a su anterior trabajo Soul Tub. Ese inicio a Cappella para arrancarse con ese sonido tan New Orleans y soul como es «Train Song» es sencillamente acojonante. Todo cabe en su paleta de colores: soul, jazz años 20, country y cajun. Nacido en Varsovia, su front man Lech Wierzynski, comenzó a tocar blues y jazz siendo apenas adolescente en jam sessions en pequeños locales de Washington DC. Ahora dirige un combo con una sección de vientos que ya quisieran para sí los más grandes (gente que ha colaborado con Jimmy McCracklin, The Marvelettes, Eddie Palmiere o Nell Carter) y con un sonido espeluznante. Encima tiene tan buen gusto que al final del disco encontramos una excelente versión del semidesconocido Johnny Adams. Un «Hell Yes I Cheated» en el que no falta el famoso falsete del llamado The Tan Canary. Buenísimos oigan.

Sonando: Hell Yes I Cheated de The California Honeydrops

DPND: Dan Bern - Dan Bern

Otro de los muchos que han ostentado desde los 90 el sanbenito de “nuevo Bob Dylan” fue Dan Bern. Su primer y homónimo disco ocupa hoy estos Discos Para No Deprimirse.

Nacido en 1965, en Iowa, Daniel Bernstein se convierte en Dan Bern a partir de su disco de debut en 1997. Un disco en el que Bern no esconde su cercanía a la figura de Bob Dylan en temas como la inicial «Jerusalem», en la que asegura irónico que “si quieres meterme en un ataúd asegúrate que sea grande, con muchas ventanas”. Y es que ese sarcasmo o ironía es una de las principales virtudes que Bern ya muestra como letrista en este álbum de debut. Otro ejemplo es lo que solía comentar cuando se le preguntaba por su parecido con Dylan y la influencia de éste: “sí, podríamos decir que decir que Dylan era una especie de Dan Bern en los 60”. Pero Bern no era un simple clon de Dylan. Tenía y tiene una personalidad propia, y también otras influencias. No es difícil ver a Elvis Costello en «Marilyn», otra coña dedicada a la rubia más famosa de la historia del cine en la que se pregunta qué hubiera sido de ella si en lugar de con Arthur Miller se hubiera casado con Henry Miller. Además, este judío (como Dylan también) puede considerarse casi un hombre del Renacimiento. Escribe novela y pinta (igual que Dylan). Lo curioso es que al ser cuestionado sobre sus influencias no nombra a ningún músico: James Thurber, Charles Bukowski, John Fante y Ernest Hemingway. Aunque sería muy injusto quedarse sólo en eso. «Go To Sleep» es irascible como una canción punk, «Wasteland» es una preciosa balada de pérdida en la que los Dioses de lo cotidiano se nos aparecen peligrosamente y «Too Late To Die Young» no desentonaría en los mejores discos de Tom Petty. Su siguiente disco, Fifty Eggs, incide más que este primer álbum en el trabajo de grupo aunque, pénsandolo bien, eso es otra cuestión.

Sonando: Marilyn de Dan Bern

El del libro de Quique González...era yo....

Así es. Ya puedo decirlo. Alto y claro. Quique lo destapó ante una pregunta de Juan Puchades en Efe Eme. Llevaba tiempo flotando la misma cuestión en su foro. Alguien estaba escribiendo un libro sobre Quique González y para ello había hablado con mucha gente de su entorno. Además se rumoreaba que Quique apoyaba el proyecto. Pues todo es verdad. Y el tipo soy yo. Ahora que el libro está acabado y entrando en imprenta suelto ¡la bomba informativa! Je,je,je...Iluso de mí. Tenía ganas de escribir un libro sobre alguien que me pareciera realmente importante en el panorama del rock nacional. Alguien sobre el que mucha gente no se atreviera a escribir. Y a mí Quique me parece esencial para entender la música que se hace en este país. Así lo pienso. Quique es único en su especie. Y a las especies únicas hay que cuidarlas. Aunque él no quiera (que le costó aceptarse como merecedor de unas cuantas páginas mecanografiadas). Ahí estaba yo y, sobre todo, todos los participantes del libro para dar sus razones. No avanzo más. Ya iremos charlando sobre ello.

Sonando: De Haberlo Sabido de Quique González

California is the garden of eden

Empiezo la semana metido de lleno en un par de discos de mujeres. Dos discos que encima tienen algo en común: un sonido eminentemente californiano. Aunque diferentes. Uno bebe de la California de Quicksilver Messenger o Love. El otro de la de Jackson Browne o Joni Mitchell.

La primera es Jesse Sykes. Tras Like, Love, Lust & The Open Halls Of the Soul, su anterior disco, lo normal era esperar algo que siguiera en la misma línea. Pero no. La Sykes se ha sacado de la manga un disco, Marble Son, en el que tienen más protagonismo esas guitarras herederas del John Cipollina más inspirado que su propia voz. Temas en que los Fairport Convention parecen cruzar el Atlántico para disfrazarse de Moby Grape se combinan con largos desarrollos instrumentales más ácidos que el mismísimo Golden Gate. Qué contento debe andar Jerry García con este disco.

Lo de Nicki Bluhm es otra cosa, pero también es música californiana. Ella se ha dejado llevar por las riendas de su marido Tim, líder de The Mother Hips, para construir un disco precioso y preciosista. Driftwood. Situado entre una Joni Mitchell actual y el James Taylor menos plasta. Vamos, como Jackson Browne convertido en mujer. Canciones hermosas a medio camino entre el country, el folk y el soul.

Y entre uno y otro me pongo a Ted Russell Kamp cantando eso de “California is a the garden of Eden” en claro homenaje al «Do Re Mi» de Woody Guthrie. Con discos así, debe serlo amigo Ted, debe serlo.

Sonando: Dannys Song de Nicki Bluhm

Discazo de Josele Santiago

Ayer tuve el placer de entrevistar al gran Josele Santiago. Un tipo tan enorme como su música. Pronto se verán los resultados. No diré más, sólo que eso me permitió poder escuchar en primicia su nuevo disco. Discazo. Lecciones de Vértigo. Un disco esencialmente de banda (de ahí la foto que he elegido) en el que Josele se sale cantando, incluso, una canción de los teleñecos, la clásica «Ser Verde» de la rana Gustavo. El disco es más eléctrico, menos cantautoril. Josele se muestra ansioso por coger la eléctrica y le atiza con ganas. Fantásticas canciones. Más inmediatas. Más cercanas. Pero llenas del ingenio innato de este madrileño afincado en Castelldefels. Un crack.

Sonando: Hagan Juego de Josele Santiago

Todos locos

Nos estamos volviendo locos. El lunes me pasaba por la tarde por mi dealer habitual de discos. Léase Discos Revólver. Ellos tienen el detalle que agradecemos los más viejos del lugar de que su ticket todavía aparezca en €uros y en pesetas. Así que cuando paso por caja descubro que me etsoy gastando la friolera de 14.999 pesetas. Para los jóvenes poco más de 90 €uros. Miro la bolsa y descubro que llevo cuatro discos. Discazos. Sí, pero cuatro. Eso hace que cada uno me esté saliendo a una media de 22.54 €uros ¡3.750 pesetas! Joder, no está mal. Recapacito y parto de dos supuestos. Uno que mi dealer no me está tangando. Voy a la FNAC y compruebo que allí el precio de la única de mis cuatro compras que tienen es considerablemente más alto. Dos, cada vez se venden más vinilos. Pues miren, yo me cago en la puta. Así de claro. Mis conclusiones me han llevado a pensar que la tan cacareada industria ha decidido que como ahora el vinilo vuelve a estar de moda van a recuperar sus réditos con ellos ¿y quién sale perjudicado? Una vez más, el comprador de discos. Y si es compulsivo, como yo, aún más. Y no, la culpa no es de los artistas. Ellos hacen lo que tienen que hacer y lo hacen bien. De hecho los que más derecho tienen a llevarse la pasta son ellos, que para eso se lo han currado. Pero, curiosamente, es a los que menos llega. Y sé de qué hablo. Aquí unos tíos con corbata han decidido que yo me tenga que gastar casi cuatro mil pelas en un disco porque es una novedad. El mismo disco, si me lo compro en CD me cuesta 15 €uros. Fantástico. Casi 8 €uros de diferencia ¿el precio de coste? La diferencia entre fabricar uno y otro apenas llega a 2 €uros. Quedan 6 ¿quién se los lleva? El artista no, que a él le llega lo mismo si vende un CD o si vende un vinilo, al menos en la mayoría de los casos. Vamos, que alguien me está tangando. Luego dirán que la cosas se hunde porque no compramos discos.

Y allí iba yo con el nuevo de los Decemberists que a mí, digan lo que digan, me gusta mucho y me suena a los R.E.M. horrores (culpa de la guitarra de Peter Buck que revolotea por todo el disco), el vinilo de Gregg Allman que era una cuenta pendiente, el de Amos Lee que es adorable y el de Shelby Lynne. Camino a caja veo el nuevo de R.E.M., también en vinilo. Recuerdo que Michael Stipe no es amigo de meter en los encartes las letras así que deduzco una presentación sosa. Ni siquiera lleva carpeta de doble ala. 26 €uros. Que le den. Sigo camino a caja. Lucinda Williams, Blessed. Recién llegado. Vinilo y las Kitchen Tapes en CD dentro ¡45 €uros! Su abuela. Y decido cantar mientras los ojos se me giran, me pongo a dar botes y me crecen unas orejas de burro “tra la la la, tra la la, yo tengo un amigo que come piruletas junto a la hoguera de San Juan”.

Sonando: Down By The Water de The Decemberists

DPND: John Mellencamp - Human Wheels

Me ha costado bastante decidirme entre Human Wheels y Whenever We Wanted como disco destacado de John Mellencamp en la década de los 90 pero, al final, por simple subjetividad placentera he optado por el primero. De él habla esta edición de Discos Para No Deprimirse.

Habrá muchos que considerarán que este disco supone el inicio de una etapa un tanto “borrosa” en la carrera del de Indiana. Yo le tengo muchísimo cariño porque lo descubría nada más editarse, y fue el disco que me hizo fan de Mellencamp tras haber iniciado “nuestro noviazgo” con Scarecrow, aunque le había perdido algo la pista hasta estas Ruedas Humanas. Publicado en 1993 llegó al número 7 en las listas americanas y al 37 en las británicas, algo más alto que su predecesor. La Rolling Stone le otorgó 4 estrellas y aseguró que “es un disco excelente. Uno de los más ricos de Mellencamp desde el lejano Scarecrow. Con sus canciones de hastío por la mediana edad quizá ni Mellencamp sabe qué significan, pero si sabe cómo se siente…”. La revista Q también le daba cuatro estrellas, su máxima puntuación, y aseguraba que “está lleno de canciones memorables y algún toque de extrañeza aceptable”. Ese toque de extrañeza es lo que algunos achacan al álbum: la culpabilidad de que a Mellencamp empezara a darle por cosas como cajas de ritmos, algo que se va a desarrollar en su siguiente disco, Mr.Happy Go Lucky, pero que aquí ya anuncian canciones como «Junior» o «French Shoes». Otra cosa es lo de las canciones memorables. Como la titular o ese «What If I Came Knocking» que te devuelve a la mente a los más furiosos Crazy Horse. También están ahí la inicial «When Jesus Left Birmingham» con recuerdo a la mítica «Jack And Diane», la adictiva y pegadiza «Beige To Beige» o la poética «To The River». Hasta cuatro productores en los créditos, incluido el propio Mellencamp y destacando a Malcom Burn, que no hacen que el álbum se resienta en cuanto a concepto general. La banda está excelente aunque sobresale la batería de un enorme Kenny Aronoff. Qué quieren que les diga...que viva el hastío vital, oigan.

Sonando: What If I Came Knocking de John Mellencamp

Buddy Miller y las cuerdas majestuosas

Si la semana pasada la acababa con alguien que estuvo muy cerca de Lucinda Williams y que acaba de sacar un discazo como es Gurf Morlix, hoy sigo en la misma línea con Buddy Miller y su Majestic Silver Strings. Disco espatarrante, otra vez. Con las guitarras como protagonistas. Y es que el título ya avisa. Además, como suele ser habitual, Miller se rodea de amigos que engrandecen si cabe el disco. Ann McCrary se sale con esa tremenda voz en «No Good Lover» y Patty Griffin enamora cantando a dúo ese «I Want to be With You Always» con un Miller sólo apoyándola y dándole al tono de ella el protagonismo. Luego ¡sorpresa! Marc Ribot aparece pero no sólo para tocar la guitarra sino para convertirse en la voz principal de un «Barres De La Prison» que debe haberle encantado a Daniel Lanois. De hecho vuelve a repetir tarea en « Bury Me Not On The Lone Prairie» y en «Why Baby Why» comparte voces con el propio Buddy. «Meds» parece hecha para Lee Ann Womack y «Dang Me» para Chocolate Genius. Quizá convence menos Shaw Colvin en «That’s The Way Love Goes» aunque canta muy bonito. Pero es que después de una instrumental «Freight Train» llega Emmylou con «Why I’m Walkin’» para dar una lección de todo. Y al final, la guinda la pone Julie Miller cantando con su marido «God’s Wing’ed Horse» y demostrando, una vez más, que sus voces nacieron para cantar juntas.

Sonando: Why I’m Walkin de Buddy Miller (cantando Emmylou Harris)

Mi chica cumple años

Y es de justicia que esta bitácora se detenga para felicitarla. Porque cada año que pasa está más guapa y yo más loco por ella. Ahí va una lista de canciones con su nombre por si quereis pinchar una en su honor. Felicidades mi amor.




Little Rachel - Eric Clapton
Rachael - Buffalo Tom
Raquel - Jorge Drexler
Lady Rachel - Kevin Ayers
Rachel - Buddy & Julie Miller
Pagan Rachel - The Flamin' Groovies
Under Rachel's Wings - David Allan Coe
Rachel & Cali - Damien Jurado



Sonando: Love Our Love de The Sunday Drivers

Hablando de Lu, hablando de Gurf

Ahora que todo el mundo anda loando el nuevo disco de Lucinda Williams, el fantástico y enorme Blessed, y dado que poco puedo añadir a todo lo que se está diciendo de ella, voy a romper una lanza más en favor del que fue su fiel escudero, Gurf Morlix. El antiguo compañero de Lu sigue labrando una carrera en solitario de las que quitan el hipo. Y el último eslabón de esa cadena de buenos discos es Blaze Foley’s 113th Wet Dream, que, como se puede adivinar, es un tributo al desparecido storyteller tejano. Gurf es un amante de la obra de Foley y, además, acabó siendo buen amigo suyo. Por eso este homenaje se nos antoja aún más sentido. 15 canciones originales de Foley entre las que encontramos alguna reconocida como el «Clay Pigeons» que ya versionara John Prine o el «If I Could Only Fly» que bordó Merle Haggard. El llamado Mesías de la Cinta Adhesiva (por su manía de arreglarlo todo con ella) es un cantautor al que a menudo se compara con Townes Van Zandt, aunque nunca tuvo el mismo reconocimiento. Morlix busca hacer justicia con este disco. Y lo logra, porque ha conseguido mantener el espíritu de esas enormes canciones. Si están volando con lo nuevod e Lucinda no deben perderse este disco.

Sonando: Small Town Hero de Gurf Morlix

Emmylou is back in town

Una de las noticias del año, en mi opinión, es el regreso de la eternamente bella Emmylou Harris ¿se pueden creer que ya tiene 63 añitos? La Harris sigue inclinándose en este nuevo Hard Bargain por producciones que le acercan a los sonidos que le “contagió” Daniel Lanois en aquel lejano Wrecking Ball. Algún día alguien debería reconocerle al canadiense el rescate de esta mujer al estilo Rubin-Cash. La cosa estará en las tiendas el 26 de abril, lo editará Nonesuch Records e incluye dos versiones, una de Jay Joyce, que además es el productor del álbum y la otra de ¡Ron Sexsmith! Toma ya, si es que encima tiene buen gusto. El colmo es que el disco incluye dos temas dedicados especialmente. «Darlin Kate» dedicado a Kate McGarrigle y «The Road» dedicado a Gram Parsons. Y ojito que con la pre-order del disco te garantizas un manuscrito de la letra de esta canción firmada por la mismísima Harris de su puño y letra. A correr.

Sonando: The Maker de Emmylou Harris

DPND: John Gorka: Jack's Crows

Ya saben los habituales de estas tierras y de esta sección que me gusta ir combinando discos más conocidos con otros menos habituales. Por eso hoy, en Discos Para No Deprimirse vamos a detenernos en la figura de John Gorka y en su Jack’s Crows.

Gorka inició su carrera en el conocidísimo Godfrey Danields Coffee, lugar del que también han salido gente como Tom Paxton o Eric Anderson. Su primer disco se publica en 1987 a través de la pequeña Red House Records. En 1989 firma por High Street Records y publica cinco discos en un período de siete años: Land of the Bottom Line, Jack’s Crows, Temporary Road, Out of the Valley y Between Five and Seven. El mejor de ellos, para mí, Jack’s Crows, publicado en abril de 1991. Quizá porque incluye la que para mí es obra cumbre de Gorka: «Where The Bottles Break». Pero también por canciones como «Good» o la cachonda «I’m From Jersey». Ojo que este hombre acabó grabando con Ani DiFranco o Mary Chapin Carpenter, por citar algunos nombres. Búsquenlo y disfrútenlo. Eso sí, no se dejen llevar por las pintas de portada. Recuerden, los 80 estaban aún muy cerca.

Sonando: I’m from Jersey de John Gorka

Fabián lo vuelve a hacer

Si fuera americano diríamos que es un songwriter o un storyteller con sensibilidad y talento. Como es de León tendemos a aplicarle la etiqueta de "cantautor" (que lo es) pero de la manera despectiva (que no debería). Porque Fabián ha vuelto a hacer un disco precioso. Y en eso es reincidente. Llámenlo como quieran. A mí, en el fondo, me da igual. Su voz es dulce. No rockea (o sí, pero de otra manera). Es brillante. Un letrista soberbio que sabe donde está la piedra filosofal del arte de hacer canciones. No, no. No estaremos en sus conciertos con las manos en alto y cuernos al aire. Esto es otra cosa. Si cantara en inglés lo pondríamos en la estantería bien cerquita de Kelley Stoltz, por ejemplo, o del Matthew Sweet más pausado. Pero no lo hace. canta en castellano porque así nos enteramos bien de lo que dice. Porque así no utiliza ningún "baby" cuando no encaja una frase. Después Del Incendio Y Otras Cosas Así. Hay tiempo para todo en esta vida, aunque a veces no lo parezca. Tanto para el rock and roll de poderosas guitarras como para las canciones sensibles. Y si no lo hubiera, para discos como éste, habría que inventarlo.

Sonando: Piedras de Fabián

Hayes Carrl y otras historias americanas

El nuevo disco de Hayes Carrl se titula como un conocido acrónimo frecuentemente utilizado en el ejército americano. Porque KMAG YOYO son las iniciales de Kiss My Ass Guys, You’re On Your Own. Y aunque parecía difícil que el tejano superara sus prestaciones en Trouble In Mind del ya lejano 2008, creo que lo ha conseguido. Y lo ha hecho con un disco que, según confiesa él mismos e ha construido a base de riffs de guitarra surgidos en momentos de poca inspiración en el estudio. Por eso ella es la protagonista del disco. La guitarra. Como compañero se le une la irrefutable voz de un Carrl que se sitúa a medio camino entre Hank Williams y el Bob Dylan más ácido de los 60. No en vano más de un tema nos recuerda peligrosamente al de Duluth, especialmente si nos vienen a la mente canciones como «Subterranean Homesick Blues» o «Highway 61 Revisited». Pero Carrl consigue convertir algo que para otro sería una rémora en una virtud y esa continua evocación de un Dylan de otro tiempo nos hace pasar por el disco con absoluta sensación de confortabilidad e, incluso, añoranza. Por si eso fuera poco, el chaval (lo llamo así porque es más joven que yo) es uno de los mejores letristas de la música americana actual. Por lo menos de los más irónicos y sarcásticos. Escuchar la letra del «Another Like You» que aquí se marca con Cary Ann Hearst es de cine. Siempre incisivo, Hayes lo borda cuando pega esas pinceladas de autocrítica tan suyas que lo sitúan a años luz de mentes “privilegiadas” como Ryan Adams (ojo, que a mí me parece un genio. Su problema es que él también se lo cree). Por cierto, y para los que se fijan en estas cosas, producido por Brad Jones. En fin, que me ha encantado…

Sonando: Stomp And Holler de Hayes Carrl

Jim Lauderdale en el Ruta

Por fin aparece el gran Jim Lauderdale en el Ruta con un artículo largo y me enorgullezco de haber tenido la culpa junto a Alfred Crespo. El bueno de Lauderdale fue capaz de responder sin rechistar las ¡50 preguntas! que preparé para él. Además me he pegado el lujo de charlar un rato con el siempre interesante Elliott Murphy y con Manu Cabezalí, líder de Havalina. Tres entrevistas suculentas que complementan un numerazo con los Allman en portada y protagonistas de un extenso reportaje, Peter Frampton, John Cale, Deer Tick, North Mississippi Allstars, etc. etc. Al loro también con ese reportaje sobre David Lapham, un maestro del comic, que no tiene desperdicio. Y en la web entrevista exclusiva con Lou Reed y Lorenzo Mattotti, Band of Horses....

Sonando: Ain't No Grave de NMA

DPND: Neal Casal - The Sun Rises Here

Hace unos días el amigo Joserra Rodrigo se me adelantaba hablando este disco en su land, pero he decidido que eso no iba a evitar que apareciera en este Discos Para No Deprimirse el The Sun Rises Here del gran Neal Casal.

Otro álbum que pasa ser mi primer contacto con el autor, y que contiene el que para mí es el mejor tema del que luego se convertiría en escudero de Ryan Adams en sus Cardinals y en líder de Hazy Malaze, «Real Country Dark», una de esas canciones que en su sencillez describe en qué consiste esto del Americana y los sonidos No Depression. Uno de esos temas que no me canso de escuchar una y otra vez, que he versionado y seguiré versionando siempre que pueda porque me vuelve loco. The Sun Rises Here es el cuarto disco de la discografía de Casal, publicado en 1998 tras el éxito de su debut con Fade Away Diamond Time en 1995, y el mantenimiento que supusieron Rain, Wind and Speed en 1996 y Field Recordings en 1997. Algunos osados aseguran que Casal bajó su nivel con este disco. Tiene guasa la cosa ¿Han oído bien «Today I’m Gonna Bleed»? ¿No les dice nada «The New Jenny Jenkins»? ¿Y el final con « The Last of My Connections»? ¿Qué me dicen de los coros de Angie McKenna?

Casal repite banda en este disco y le añade a James "Hutch" Hutchinson, de la banda de Bonnie Raitt al bajo para conseguir un grupazo impecable. Todo el disco se grabó en la costa oeste en muy poco tiempo y se mezcló ¡en sólo un día! Algunos dicen que por eso no es tan bueno. Yo creo que por eso es tan bueno. La nombrada «Today I’m Gonna Bleed» abre el trabajo con un canto a la honestidad y la cordialidad que a veces se convierte en dolor. Una metáfora que define a la perfección la carrera de un autor más apreciado por estas tierras que en su propio país (aunque casi nadie se acerque a sus conciertos tampoco aquí). Lástima, merece mucho más.

Sonando: Real Country Dark de Neal Casal

The Band, Historia y Música

La semana pasada "acababa" con The Band, Historia y Música, el libro que Miguel Muñoz, informático de profesión, ha dedicado a la que quizá es la banda más grande de la historia del rock. Merecedores como pocos de su nombre, La Banda. así, sin más. No se asusten por la profesión del autor. Cada uno tenemos la nuestra y no siempre relacionada con el arte de juntar letras. Muñoz ha conseguido un recorrido soberbio al que sólo le encuentro un pero: una excesiva inclinación o preferencia hacia Robbie Robertson por encima de los demás, hecho, por otro lado, justificado durante la narración y que no llega a ser grave. Vamos, que sale rozando el larguero. La obra está perfectamente documentada y desarrollada con acierto. Mantiene el interés más allá de lo que puede ser una biografía musical y demuestra que, en este país, también somos capaces de escribir sobre rock y bien. No siempre es necesario recurrir a traducciones foráneas. Además, el autor no se queda en la mera descripción de los hechos sino que se moja. Analiza y opina que, a fin de cuentas, es lo que también a veces se busca. Lo hace desde el respeto y el conocimiento profundo de cinco músicos que, probablemente, formaron el mejor grupo de la historia. Que lo disfruten...yo ya ando en otros fregados...

Sonando: Don't Do It de The Band

Jaime Anglada publica disco en directo

La verdad es que es bien difícil hablar de cada nuevo disco de Jaime Anglada para mí porque es un tío al que me quiero un montón. Pero no sería justo que por eso no lo hiciera. De hecho intentaré buscarle algún defecto a su nuevo trabajo, En Concierto - Gira Stereo 10-11. Y eso que me siento un poquito culpable de este disco porque la última vez que nos vimos en Barcelona le dije "Jaime ¿para cuándo un disco en directo tuyo?" y él me contestó "¿tú crees? igual estaría bien ¿no?". Y aquí está. Un disco basado en Stereo, el último trabajo del mallorquín con algún guiño a discos anteriores como esa nueva versión de «Nunca Tendremos Graceland» o ese «Enanito Burlón» que, para Rakel y para mí, siempre será la canción que Jaime dedicó a June en la radio. Las canciones ganan en el cuerpo a cuerpo y la interpretación de Jaime también. Porque quien no lo haya visto que lo haga. Eso es una voz, leche. La banda suena compacta y acoge a una de las manos derechas de Jaime, David Gwynn, que no lo acompañaba en sus últimas apariciones, con naturalidad. Gwynn es un excelente guitarrista y aquí lo pone de manifiesto. Además, el disco, tiene en el debe no haber sufrido ni un solo recording posterior. El directo está ahí con sus errores, sus comentarios, sus acoples. Fantástico. Un disco en directo siempre debería ser eso.

Venga va, he dicho que voy a criticar y lo voy a cumplir. No me gustan los fade out después de las canciones en los discos en directo. Me cortan el rollo. Llámenme quisquilloso. Voy a por otra. La versión de «Nunca Tendremos Graceland» no me acaba de encajar. Ya lo pensé cuando la canté con Jaime en Barcelona. No es una mala apuesta pero queda ensombrecida por la grabación en disco. Cosas de ser un talibán y de que esa sea una de mis canciones favoritas. Y para acabar de ser malo, no me convence que el disco acabe con dos temas en estudio y ¡ojo! Son dos temazos inéditos. Pero esto es un disco en directo. Además, estoy "enfadado" con Jaime por dejar fuera de Stereo un tema tan bueno como «Vagabundos del R&R», que casi nos perdemos si no es por la idea de incluirlo aquí ¡pero si era el tema ideal para cerrar el disco!

Y ahora queréis que le ponga nota ¿no? ains, cuánto gustan estas cosas....Si le pongo un 10 se me ve el plumero ¿no? Pues un 9.9 ¡Grande Jaime! (¿qué pasa? ya le he quitado una décima por las cosas negativas que he dicho ¿no?)

Sonando: Vagabundos del R&R de Jaime Anglada

Ele Josele

Cada vez que Josele Santiago tiene nuevo disco, servidor, que como sabéis es un defensor acérrimo de la música hecha en este país, se pone más contento que unas pascuas. La cosa se llama Lecciones de Vértigo (título que se intuye salido de la dedicatoria de Roberto Bolaño en su Putas Asesinas a su familia) y llegará el 5 de abril. De momento ya se puede oír su primer single, «Próstata», y en la web de Radio 3 se puede oír una interesantísima entrevista en la que el ex enemigos toca algún temita más como adelanto. Veredicto: Josele está en forma, sigue escribiendo canciones como nadie y hay que esperar el disco con ansiedad contenida.

Sonando: Próstata de Josele Santiago

Desprecintar

De un tiempo a esta parte se está poniendo de moda que los propios artistas pongan a disposición del público sus discos antes de la fecha de salida para poder ser escuchados en streaming. La última ha sido Lucinda Williams con su Blessed (discazo, por cierto). En el fondo es lo mismo que filtrarlo en baja calidad, porque el susodicho es ripeado rápidamente y empieza a aparecer en cientos de páginas de descargas. A mí, no me parece mal ¿quién soy yo? Y, en el fondo, demuestra que tan malo, tan malo, no será esto de Internet, que dirán algunos. O que, si no puedes con tu enemigo, te alíes con él, según otros. Los hay que defienden el placer de desprecintar. De “desvirgar” un disco. Observar su portada, sacarlo de la funda, ponerlo en el plato, y situar la aguja encima suyo mientras da vueltas a 33 o a 45 revoluciones. Yo disfruto ese momento como el que más. Pero no le doy especial importancia a haber oído el disco antes, aunque entiendo al romántico que sí lo hace. De hecho soy de los que se lanzan a oír esos adelantos con impaciencia. Ya saben, mi carácter.

Y unido a todo esto recojo una polémica que el otro día leía en un foro. Allí se aseguraba que ha bajado la calidad de las ediciones en vinilo y ha subido la de los CDs. Y pensándolo, no es del todo descabellado. Yo de un vinilo no espero sólo una portada grande y una determinada calidad de sonido. También busca una buena funda, un encarte, algo. Cada vez son más los que añaden un plus a los discos compactos mientras que el vinilo parece suficiente con editarlo en un sobre blanco. Aunque hay excepciones. Sin ir más lejos el último disco de Social Distortion es delicioso, en cuanto a presentación. Los hay que se lo curran, y mucho. Ryan Bingham, por ejemplo, ha editado su último disco con sólo 3 caras y en la cuarta hay un avión grabado sobre el vinilo. Eso hace que aunque no sea su mejor disco yo lo haya comprado con el placer del melómano. Así que ¿será verdad eso de que los CDs se lo curran más? ¿Será el último intento de la industria por salvar un formato que murió hace tiempo en manos del viejo vinilo?

Sonando: Discos de Antes de Quique González

DPND: Wilco - A.M.

Vuelven Wilco a Discos Para No Deprimirse, y esta vez lo hacen en solitario y para defender un disco habitualmente denostado pero que a mí me parece una de las piedras filosofales de un género luego explotado hasta la saciedad. A.M. es un gran disco. Así lo pienso y así lo digo. Vamos con él.

Publicado el 28 de marzo de 1995, el álbum supone el debut como banda de Wilco, tras la separación de Uncle Tupelo, aunque hay quien considera que Anodyne, último disco del grupo bicéfalo liderado pro Jeff Tweedy y Jay Farrar, es el germen de todo. Y no les falta razón. Porque en Anodyne está la base que grabará este disco y que se convertirá en Wilco. Tweedy, Ken Coomer a la batería, John Stirratt al bajo y Max Johnston tocando lo que haga falta. A ellos se les unirá gente como el Bottle Rocket Brian Henneman para dar forma a un disco que define a la perfección el rock americano de los 90. Un trabajo que empezó a gestarse en los Easy Studios de Memphis, un lugar en el que Tweedy se empeñó en grabar porque había oído grabaciones de Jon Spencer hechas allí y que le habían encantado. Además, para intentar cambiar lo que pasaba en Uncle Tupelo, Jeff pide al resto de la banda que se implique en la composición y, aunque al final sólo «It’s Just That Simple» aparece firmada por Stirratt para dejar a Tweedy el resto del protagonismo, el cantante sí que consigue la participación de todos en la producción dirigida por Brian Paulson. Tampoco hay que olvidar las remezclas que Richard Dodd hizo a posteriori del disco y que lo acabaron de dotar de una personalidad propia.

Con un título que hace referencia a las estaciones de radio, una de las cosas que más me gustan de este disco es que sus detractores lo acusan de sencillo ¿Puede algo ser malo por sencillo? Hay que fastidiarse. Evidentemente que es sencillo. Nada que ver con los Wilco que se irían construyendo después pero eso es buena parte de su encanto. Lo jodido es que hasta el propio Tweedy acabó justificándose sobre esa sencillez aduciendo a que la culpa la tenía su excesivo consumo de marihuana. No andaba el bueno de Tweedy en sus mejores momentos de reafirmación personal por entonces. Todo eso hizo que el disco fuera recibido de manera fría llegando sólo al puesto 27 de las listas. Yo no lo entiendo ni lo entenderé hasta que consiga escribir canciones como «Shouldn't Be Ashamed» o «I Must Be High». Entonces igual pienso que esto es fácil y que deberían haberse complicado más la vida. Mientras tanto seguiré disfrutando de él y pensando ¿cómo lo haces Jeff?

Sonando: Casino Queen de Wilco

When You're Strange

Ya saben los habituales de estos foros que servidor llegó a los Doors de la mano de Rakel. Hasta estar con ella no les había prestado una atención excesiva. Hombre, sí. Tenía algún disco y los escuchaba sin problemas. No me molestaba el boom producido por la película de Oliver Stone. Más bien lo contrario. Siempre es bueno, de cualquier forma, recordar a las buenas bandas. Pero Rakel me descubrió realmente el transfondo musical de la banda y, sobre todo, los elementos mitológicos que escondía la figura de Jim Morrison. Así fue como acabé, con los años y hace relativamente poco, encargándome de una reseña sobre la película documental que Tom DiCillo ha realizado sobre los californianos, y que se puede leer en la web de Ruta 66, en el apartado de Imagen. Ahora esa película llega a las tiendas en forma de DVD. Será el 23 de marzo y la edita Avalon. La recomiendo encarnezidamente porque es absolutamente imprescindible. Mejor si te gustan los Doors, pero tampoco pasa nada si no es así. Ver a Morrison oyendo por la radio el anuncio de su propia muerte es, simplemente, acojonante. No desvelo más.

Sonando: Love Me Two Times de The Doors

Quique "le hace caso" a Rakel y se desbanda

No consigue estarse quieto. Es una de las cosas que más me llaman la atención de él. De hecho prefiero que no se esté quieto y tener la oportunidad de irlo viendo cada poco tiempo. No sé si él se daría cuanta entre la vorágine de saludos y abrazos que se estaba llevando al final de su concierto en el Palau De La Música de Barcelona con el que Daiquiri Blues se despedía de la ciudad, pero Rakel le sopló al despedirse una de esas frases que uno piensa "joder, debería haberla dicho yo". En medio de la fiebre que hizo que tuviéramos que salir pitando del postconcierto emitió una sentencia simple pero vital. Una frase que resume lo que cualquiera debería decirle a alguien que admira. Un imperativo que no tiene misterio pero que lo engloba todo. Explica muchas cosas y muestra los sentimientos a flor de piel. Rakel miró a Quique y con una voz castigada por su amigdalitis le soltó "Quique, nunca dejes de tocar". Eso demuestra que la impostura no cabe en este mundo. Rakel lo dijo porque era lo que sentía y lo que le salió en ese momento. y lo bordó. Resumió en cinco palabras todo lo que a mí me gustaría haberle transmitido a Quique desde que lo conozco. Simplemente eso.

Y González parece empeñado en hacer buena la frase de mi chica (me gusta llamarla así, como en las películas de gángsters). Tras un breve descanso va a emprender una gira por todo el país acompañado sólo por su inseparable Jacob Reguilón. Un tour que promete grandísimos momentos. Por salas de aforo medio y con un músico dejándose ir con canciones menos habituales en su repertorio, versiones y "lo que se tercie". No cometan el error de perdérselo.

Sonando: En El Disparadero de Quique González

Middle Brother, tres mejor que uno

Deer Tick es una de esas bandas que está en boca de todo el mundo, sobre todo, tras su reciente y excelente concierto (según los que estuvieron) en Barcelona. Delta Spirit es una de mis bandas favoritas, últimamente. Los descubrí con Ode To Sunshine, en 2008, y me encandilaron con su rock americano fresco e histriónico. Y los Dawes son una banda de Los Ángeles altamente influida por Crosby, Stills, Nash & Young, y con los que ha colaborado gente como Chris Robinson de The Black Crowes o Conor Oberst ¿Y qué tienen que ver estas tres bandas entre ellas además de su cercanía a sonidos tradicionales de los States? Pues que sus tres cantantes principales, léase John McCauley, Taylor Goldsmith y Matthew Vasquez se han unido en un proyecto común al que han llamado, simplemente, como sus apellidos. La cosa se traduce en un disco llamado Middle Brother y es fresquito, fresquito. Soul, rock and roll y country mezclado con la herencia más profunda de las carreteras secundarias de cualquier estado perdido. Absolutamente supremos en cuanto a composición, y dejando detalles que adivinan quién se ha encargado de cada una de las piezas para confluir en un todo unitario que suena fantástico. Por descubrir.

Sonando: Me Me Me de Middle Brother

El detective Harry Hole

Últimamente le estoy dando mucho a la novela negra. es uno de mis géneros favoritos. Siempre ha sido así y sigue siéndolo. Hace unos meses hablaba por aquí de uno de mis personajes detectivescos favoritos, el astuto Charlie "Bird" Parker de John Connolly. Por eso hoy creo que merece la pena que me pare en otro de mis preferidos, Harry Hole, protagonista de las novelas del noruego Jo Nesbo. Hole es uno de esos detectives que gusta, que atrae. Le encanta ir vestido con camisetas de Joy Division, raparse el pelo y escuchar música rock. Va tatuado, tiene un Ford Escort destartalado, una hermana con síndrome de Down y, como en casi todos estos casos, las relaciones personales no son su fuerte (punto común en cualquier buen etective que se precie). Por desgracia, las dos priemras novelas protagonizadas por el personaje no han sido traducidas al castellano y uno no va muy bien de Noruego. La primera de la serie que podemos leer en nuestro idioma es la imprescindible El Petirrojo, novela que no debería pasar desapercibida a ningún seguidor del género. Tras ella hay un par más también traducidas, Némesis y La Estrella del Diablo.

Jo Nesbo es un conocidísimo músico de rock en Noruega. Al frente del grupo Di- Derre, caracterizado por sonidos cercanos al rock más duro, consiguió labrarse una carrera como músico hasta que, agobiado por la fama, decidió largarse a Australia para dedicarse a escribir una novela. Así nació Harry Hole. Lo curioso es que el autor presentaba su manuscrito a las editoriales con pseudónimo para que no lo valoraran por ser quien era sino por su obra. A pesar de eso consiguió editorial y su priemra novela de 1998 recibió multitud de premios. También es un consumado narrador de cuentos, faceta que le viene de "contarle cuentos infantiles a mi hija por las noches". Yo también me estoy entrenando en eso.

Sonando: How I Roll de Bob Geldorf

DPND: Drive-By Truckers - Pizza Deliverance

Hoy, desde la ciudad de R.E.M., en Discos Para No Deprimirse, llega el turno de Drive-By Truckers. Originarios de Athens, Georgia (aunque cuatro de ellos sonde Alabama), los Drive-By Truckers rápidamente escalaron posiciones en las listas de favoritos de los amantes de los sonidos más americanos gracias a unas letras oscuras y trabajadas, y a un sonido marcado por la utilización de tres guitarras eléctricas que los dotaban de un sonido poderoso y sorprendente. Heredero de bandas como Allman Brothers o Lynyrd Skynyrd pero con un toque más rural. Vagabundos, ex carcelarios, oscuros camioneros, asesinos en serie….cualquier personaje de la iconografía más austera de los states tiene cabida en unas letras que, especialmente, Patterson Hood convierte en marca de la casa.

En 1999 lanzan su segundo disco, Pizza Deliverance tras el debut con Gangstabillity en 1998. La banda aún no está formada al 100x100 pero sí están ahí, como cabezas visibles, Hood y su amigo Mike Cooley. El disco es un trueno. Un ejemplo impecable de lo que podría llamarse rock americano de guitarras. Y es que una banda que es capaz de llamar a uno de sus temas «The Night GG Allin Came To Town» tiene que llamarte la atención por narices. Las comparaciones con los Crazy Horse de Neil Young por ese sonido pesado y profundo no se hicieron esperar, y a ellos no les parecía importar mucho. Además también eran capaces de poner los pelos como escarpias a la audiencia con baladones con la clase de «Love Like This», quizá uno de los mejores temas lentos del rock americano de todos los tiempos. Quien no se haya acercado nunca a su música tiene una oportunidad de oro para hacerlo con este disco. No defrauda.

Sonando: The Night GG Allin Came To Town de Drive-By Truckers

Gregg Allman recuperado

Me he esperado unos días para decirlo y, de paso, hacerme más con él. Pero ya no puedo más ¡Qué bueno es el último disco de Gregg Allman! 14 años llevaba el amigo sin publicar nada al margen de los Allman Brothers. Y la cosa no pintaba bien. Gregg había perdido a su amigo Tom Dowd, productor de la banda y uno de sus grandes apoyos, había sufrido las secuelas de una hepatitis C y un trasplante de hígado el año pasado. Pero mira tú por dónde que T-Bone Burnett, uno de los hombres de moda en los mandos, pensó que era el momento y en apenas once días se sacaron de la manga uno de los eventos del año. Allman ha asegurado que Burnett le propuso 10.000 canciones para grabar. Quizá es exagerado, pero seguro que un montón le propondría porque si alguien conoce bien la música americana son los tipos como Burnett. Grabaron 15 y se acabaron quedando con 12. 11 versiones de clásicos y un tema propio firmado a medias con el amigo Warren Haynes.

Gregg se gusta como cantante en este disco. Quiere parecerse a sus ídolos y lo consigue. A Ray Charles, a Otis Redding o a Solomon Burke. Hasta ecos de Elvis parecen verse en la cover del «Please Accept My Love» que B.B.King ya debería regalarle ya a Allman. Entre los firmantes de los temas hay de todo. Grandes conocidos como Muddy Waters o Junior Wells, y otros nombres menos cercanos a los no iniciados en el blues como Sleepy John Estes o Amos Milburn. Un disco de 10 que merece escuchas, escuchas y escuchas….¡Y viene al Azkena!

Sonando: Blind Man de Gregg Allman

Legendary Shack Shakers en la 2

Fusilo a la web del Ruta y pego mi reseña del bolo de los Legendary Shack Shakers el jueves pasado en la 2:

Valiente trallazo de concierto nos soltaron los de Nashville. Y eso que la noche no pintaba bien. Una sala 2 de Apolo medio vacía, mientras la principal se abarrotaba para ver a unos Band of Horses en boca de todos, hacía que los presentes nos sintiéramos fríos. Eso sí, expectantes también. Porque ver al coronel J.D.Wilkes y compañía siempre es una experiencia. Los malos augurios mejoraron con el paso de los minutos y al final la sala presentaba un aspecto más que aceptable. Wilkes apareció puntual según la hoja de ruta. 21.30 horas. Ni un minuto más. Agarró un banjo y ya no paró hasta una hora y media después, convirtiendo a Johnny Cash o Waylon Jennings en uno de los Sex Pistols. Rebozando a Willie Nelson en música zíngara de los Balcanes. Fallando con maestría y acertando en un alto contenido de actitud elevada a su máxima expresión. Wilkes es un tarado pero es que para su música, como me dijo mi buen amigo y líder de Nu Niles Mario Cobo “si no haces eso te aburres”. El coronel no se aburrió. Y nosotros tampoco. Todo lo contrario. Quizá por eso cuando salíamos de la sala y oíamos los ecos de lo que estaba sucediendo en el piso de arriba, unos cuantos nos miramos y no pudimos evitar sonreír. Habíamos acertado.

En sí la cosa es una excusa para que veais la espectacular foto de Luis Lecumberry, un crack, y para que os vayais a la web del Ruta a ver la reseña del mismo bolo a cargo de Manel CorazondeRockandRoll Celeiro.

Sonando: Where's The Devil de Legendray Shack Shakers

Quique González acaba gira

El bueno de Quique González está esta semana de fin de gira. Tres bolos en Madrid. El primero ayer. Hoy y mañana los otros dos. No sé lo que andará haciendo, aunque me lo puedo imaginar. Sólo con que haga la mitad de lo que ofreció en Barcelona hace apenas diez días arrasará. Quique es un grande. No tengo duda de ello. He dejado pasar los días desde el concierto en el Palau de la Música para poder ser algo más objetivo cosa que, tratándose de él, me cuesta mucho. Pero creo que ahora ya ha pasado tiempo suficiente y que puedo hacer este tipo de afirmaciones desde la frialdad que otorga el paso de los días. Es que el tío se sale. Y lo hace por su sencillez y por su honestidad. Pero no sólo por eso. Porque se puede ser muy sincero y honesto pero si eres un músico del montón no puedes conseguir meterte en el alma del oyente como hace Quique. Se han de tener también canciones poderosas como puños, actitud, ganas, una buena banda, buena gente detrás que te quiera y calidad. Él lo tiene todo, y por eso te araña la piel. Incluso llega algo más lejos. Traspasa la epidermis para situarse, con su voz y sus canciones, allí donde se esconden los sentimientos. Donde uno se duele, se ríe o se llora las penas. Vayan a verlo. Aún están a tiempo. Y si no, tendrán más oportunidades. Le queda mucho recorrido aún, por suerte para nosotros.

Sonando: Su día Libre de Quique González

Desarrollos instrumentales

No me apasionan los grandes desarrollos instrumentales aunque, curiosamente, me gustan muchas de las llamadas jambands. Pero las disfruto más cuando sus temas bajan de los seis minutos. Llámenme raro. Soy de los que opinan que en las largas instrumentaciones disfruta más el ejecutor, o sea, el músico que el oyente que lo mira con cara de flipado. Por eso gente como Allman Brothers, Black Crowes o Grateful Dead me hacen pasar mejores ratos cuando "no se pasan". Claro, es importante que el músico disfrute para transmitirlo al oyente pero no que él sea el único que disfrute. Quizá por eso se me acusa, muchas veces, de simplón en esto de la música. Yo, entre un tema de dos minutos y uno de 14 siempre me quedaré con el primero, por bueno que sea el segundo. Me llegará más ¿tengo que hacérmelo mirar?

Sonando: The Other One de Grateful Dead (18 minutos, por llevarme la contraria a mí mismo)

DPND: Little Village - Little Village

Podría hablar de cualquier disco de John Hiatt (todos son buenos o muy buenos) aunque lo suyo sería analizar de Bring The Family. Pero dado que el objetivo de esta sección es hablar de discos aparecidos en los 90, vamos a hacerlo de su hermano pequeño, Little Village de Little Village, claro.

Formados en 1992 por Ry Cooder (guitarra, vocales), John Hiatt (guitarra, piano, voz), Nick Lowe (bajo, voz) y Jim Keltner (batería), la banda nace gracias a la buena sintonía imperante en la grabación de Bring The Family en 1987. Al principio pensaron en llamarse Hiatus, haciendo coña, evidentemente, con el nombre de John pero al final optaron por Little Village, un nombre sacado de una de las canciones del disco Bummer Road de Sonny Boy Williamson.

Su primer y único disco se graba en 1992, año en el que también girarán para presentarlo (con un concierto en Barcelona en el que pude colarme con 17 añitos recién cumplidos), y en el que también desmontarán la banda, aunque un año más tarde, en el 93 recibirían la nominación al Grammy como Mejor Interpretación Vocal de un grupo. Porque fue un disco de grupo. Todos compusieron, todos tocaron y casi todos cantaron. El único que no aportó su voz como principal a ningún tema fue Keltner. En contrapartida, el que más cantó fue Hiatt. Ese espíritu grupal se respira en un disco compacto que se aleja de los cánones del rock americano de raíces para facturar un rock más atemporal. A pesar de eso, debían estar aquí. Temas como el blues eléctrico de raíces que es «The Action» o la slide de «Do You Want My Job» pueden ser la respuesta al por qué.

Sonando: Solar Sex Panel de Little Village

Los Olvidados: The Great Crusades

Andamos ya metidos en el mes de febrero y aún sigo dándole vueltas a olvidos en las listas de los mejor del año pasado. Bueno, estos no fueron un olvido, fue más bien que no les presté la atención que merecían. La excelente entrevista que el amigo Manel Celeiro les hace en el Ruta de este mes me ha llevado a pinchar su disco, de nuevo y, ahora sí, engancharme. Son de Chicago y, curiosamente, sus tres discos anteriores ya me habían gustado mucho pero eso no hizo que esperara con especial inquietud este Fiction To Shame. Da igual. La cuestión es que ahora lo escucho y me parece un discazo soberbio. A mí me siguen sonando a Nick Cave, a Tom Waits, a Captain Beefheart, a Headwater o a Slobberbone por igual, aunque sólo a ratos pero lo suyo es algo, dentro del rock americano, muy particular, la verdad. Es más, me atrevería a decir que más que rock americano es, simplemente rock o, mejor dicho, ROCK, con mayúsculas. Son buenos, de verdad, muy buenos.

Sonando: Magic Shoes de The Great Crusades

Fin de semana de fira

De nuevo ha llegado la Fira del Disc de las Cotxeres de Sants. Es pequeñita pero siempre se encuentra mucho material. Además ha significado mi única escapada en un fin de semana más preocupado por la salud de Rakel y cuidar de June que por otra cosa. Aproveché el viernes por la tarde y, a pesar de ir sin ninguna idea fija, me vine con muchos discos. Más de los previstos. De hecho, prácticamente todos son álbums que ya tenía ¡en casette! Con alguna excepción. Era el momento de aprovechar precios para hacerse con ellos en vinilo. Ahí va la cosecha:

- The Dictators. Go Girl Crazy. Un poco tocado de carpeta pero aceptable. 5 euros por esa impagable portada merecían la pena.

- Stevie Ray Vaughan. Soul To Soul. Este sí impecable. De los que no tenía en casette.

- Alice Cooper. Greatest Hits. Es que me encanta esa portada dibujada.

- Rolling Stones. Steel Wheels. Impecable estado.

- Rolling Stones. Emotional Recue. Más Stone, más casettes "convertidos" en vinilo.

- The Kinks . Soap Opera. parece nuevo y es original del 75.

- The Kinks . Give The People What They Want. Más Kinks originales. Este del 81.

- Lou Reed. Sally Can't Dance. Otra portada mítica y en vinilo es tan chula...

- Grateful Dead. Workingman's Dead. Otro original que parece nuevo. Del 73.

- Grateful Dead. American Beauty. Y otro más. Impecable. Del 70. Ya lo tengo en 3 formatos.

Sonando: Sugar Magnolia de Grateful Dead

El primero de los vendidos

Acabo de leer El hombre Al Que Rosita Robó El Televisor, biografía de Willy DeVille a cargo de Carlos Zafón. Lo he pasado bien. El viejo Willy es una de mis muchas debilidades. Me ha gustado, pero me ha sorprendido, eso sí, la crítica al afán que el músico parecía tener por ganar dinero y vivir de la música. Apenas un día después de acabarlo hablaba con un buen amigo mío, músico, que ahora está realizando un programa en televisión de forma diaria. Una especie de magazine en directo. Me contaba que había recibido numerosas críticas por eso y, aunque él está de vuelta de esas cosas, hay que reconocer que ciertos comentarios molestan y te dan rabia. Dos vendidos en dos días ¿Realmente Willy DeVille se vendió en un momento dado de su carrera para poder sobrevivir? Y si lo hizo ¿es eso criticable? ¿Es criticable que mi amigo quiera dar de comer a sus dos hijos? ¿Podemos criticar a Quique González cuando regresó al mundo de las discográficas después de su período independiente? Recordemos que muchos se apresuraron a hablar de traición ¿Se vendió el Ruta al sacar en portada a gente como Bruce Springsteen? ¿Es peor el disco de Lapido porque en él cante Eva Amaral (por cierto muy bien) que está en una mejor posición comercial que él? ¿Conocemos los motivos de todos ellos? ¿Se está vendiendo? Ellos sí ¿verdad? En cambio Jack White, que seguro que atesora muchos más millones en sus cuentas que los citados y al que ya saben que admiro profundamente, no se está vendiendo cuando hace una canción para James Bond con Alicia Keys. Dylan no se vende cuando hace un infumable disco de Christmas o una campaña de lencería. Que Lou Reed cante con Susan Boyle es una curiosidad. Igual lo decimos, sí, pero bajito, no sea que se nos oiga mucho…

Ahora vamos con otra historia. Un tipo al que le gusta ante todo la música, tocarla y escribir sobre ella, se larga todas las mañanas a las 8 para pasar 9 horas a 20 kilómetros de sus casa haciendo un trabajo que no le gusta en pimiento. Lo hace para dar de comer a su familia ¿él es un vendido? ¿Sí? Pues ese soy yo. Vamos que me pueden poner a la cabeza de los vendidos. Mi amigo, el del programa de tele me decía entre risas “es que encima tengo el problema de que me gustan las guitarras caras”. Pues ole sus huevos. Y a mí me gusta comprarme discos, libros ¡ah! y las guitarras también. Somos vendidos, según algunos raseros, pero felices ¿qué pasa? Es una decisión propia ¿no? Aunque el que esté libre de pecado….Claro que a todos nos gustan las historias de perdedores, vagabundos, excarcelarios….Pero recuerden Cash no estuvo nunca en la cárcel ¿eh? Y a mí no me hace falta que mi artista se esté muriendo de hambre para creérmelo. Piénsenlo. Los que acusan tan a la ligera de vendidos a algunos músicos por querer vivir de su trabajo (y yo lo he hecho más de una vez), deberían/deberíamos pensar cuántas veces tu jefe te ha mandado hacer algo, mientras lo mandabas al cuerno internamente, sonreías y decías “sí buana” ¿Cuántas veces no has querido ir a trabajar? Y lo sé. Hay gente a la que le encanta su trabajo pero en todos, en todos, tienes algún momento en que haces algo que no te apetece. Entonces te estás vendiendo ¿no? Y si encuentran a alguien a quien no le pasa lo felicitan de mi parte. Es un tío suertudo.

Sonando: Blue Monday de Fats Domino

PS: Y sí, hay casos y casos. Excepciones y todo eso...pero hablo de músicos, no de otras cosas que pululan por ahí.

El Ruta de febrero

Gran número el del Ruta de febrero. Ya hice referencias hace un par de días a su disco del mes, el espléndido nuevo trabajo de Marianne Faithfull. Servidor aporta una entrevista larga con Christina Rosenvinge (con la que me lo pasé muy bien charlando) y un par de entrevistas cortas: con Almas Para El Diablo y con Los Marañones. Amén de alguna reseña de películas o discos. Pero no son mis aportaciones lo que hacen grande al número. Empezando por la portada, merecidísima para Atom Rhumba. Soberbia entrevista del tocayo Ranedo que pone los pelos como escarpias y revisión, tema a tema a su Gargantuan Mellee. Espléndido reportaje a Band Of Horses de Álvaro Fierro con una intro hilarante con la que cualquiera de los que nos dedicamos a esto podemos sentirnos identificados. Fabuloso reportaje de Sergio Martos (¿aquí dejan entrar a los heavies?) sobre el universo Dr.Feelgood con el apoyo impagable de Alfred Crespo. Repaso a la censura franquista en los discos a cargo de Xavir Valiño...En fin, un no parar....Buena, bonita y barato. Y sí, estoy haciendo publicidad...

Sonando: Coasts de Brett Detar

DPND: Peter Case - Torn Again

Seguro que los que solo conocen a Peter Case como miembro fundador de la banda de punk-pop The Plimsouls (su proyecto después de los Nerves junto a Paul Collins) se extrañan de su inclusión en esta sección, dedicada a repasar los mejores discos (para un servidor) del llamado Americana y de rock americano que dio la década de los 90. Pero amigos, un repaso a su discografía en solitario y, en especial al disco que nos ocupa, hace mucho más fácil entenderlo todo. Hoy en Discos Para No Deprimirse, Torn Again de Peter Case.

Case debuta en solitario en 1986 con un disco producido por T-Bone Burnett y en el que participan gente como Victoria Williams (su primera esposa, por cierto), John Hiatt y Roger McGuinn. Casi nada. Para el segundo cuenta con David Hidalgo de los Lobos, Ry Cooder y el Heartbreaker Benmont Tench. Creo que con todos esos nombres no es necesario decir por dónde van los tiros de su carrera individual.

Torn Again, en 1995, es su sexto disco y mi favorito. Las letras son fantásticas. Punzantes. Hilarantes. Irónicamente deliciosas. Canciones como «Baltimore» o «Breaking The Chain» merecen estar en cualquier lista de las mejores de la década en el género. Por no hablar de «Blind Luck», una de esas tonadas que uno no puede sacarse de la cabeza en días, o « Little Wind (Could Blow Me Away)» coescrita con Tom Russell. Rock americano vestido de folk rock y calidad a raudales. Acercarse a él es gloria bendita. Nadie suele arrepentirse.

Sonando: Blind Luck de Peter Case

Marianne vuelve

Es disco del mes de febrero del Ruta, y encima la reseña la escribe Alfred "Coco" Crespo, uno de mis plumillas preferidos de la revista (siendo el director y después de haberle llamado "plumilla" me veo con la carta de despido encima de la mesa). Así que poco o nada tengo que añadir a esa reseña. Sólo recordar que en el disco han participado Lou Reed o Dr.John, y que en él hay temas de Lesley Duncan, Jackie Lomax, Carole King, Gerry Goffin y Jerry Lieber, por citar algunos, junto a composiciones de la propia Marianne Faithfull. Lo ha producido Hal Willner y es tan bueno como fea su portada. Vamos, que es buenísimo. Encima las mujeres están de moda, como contaba en el post anterior. Éste salió ayer a la venta y es para no pensárselo. Lo juro.

Sonando: Past Present Future de Marianne Faithfull